作者：Danielle Sommer（陈颖编译） 来源：artspy艺术眼
所有的抽象主义艺术在核心上都拥有同一个事物：人类的身体。抽象艺术的出现和人类的历史一样古老，它试图在没有麻烦的比喻表达法妨碍的情况下转化或是超越身体上的体验。这种矛盾甚至在词源上都有所体现：“抽象（abstract）”这个词被简化为表现某事与“孤立的”线条有关——或是“与实质性的物体或实践性的材料分离”，这暗指了存在某种非物质性的东西，而这种东西在最初就能够被分离开来。这是对我们——或是对我们的体验来说能够超越我们的身体的东西。



Dean Smith, Thought Form #11 (2005)

我已经关注围绕抽象主义进行的对话很长一段时间了。在去年，我参观了三场具有重要意义的展览，它们使我在理解抽象主义最终能够获得什么这一方面上产生了质疑——我一直认为它最终会背叛它自己，变成一种完全的主体的体验。这三场展览分别是亚历山大（Alexander Cheve）在Rowan Morrison画廊展出的油画和雕塑，表现了流动的几何图形的房子；乔西（Josh Podoll）在Romer Young画廊展出的古怪而又抽象的、与冥想相关的画作，它们介于极端亲密和极端遥远之间；克里斯·邓肯（Chris Duncan）在Baer Ridgway画廊展出的使人迷惑不解的“Eye Against”。这就是我在伯克利艺术博物馆中举办的两场展览“Abstract Then”和“Abstract Now”之外所想获得的。



Robert Irwin, Untitled (1969)

尽管“Abstract Then ”宣称其展出作品都来自1945——1985年，但它还是以未来主义艺术作为开始：第一件展出作品是来自杜尚的“Boites”（1966），其中包括一件“Nude Descending a Staircase”（1912）的小型复制品。让·丁格力（Jean Tinguely）的作品“Black Knight”（1964）值得人们与其产生相互影响；当你按下一个按钮时，这件机械化的雕塑作品将会开始转动齿轮，只要你觉得舒服，你还可以通过一个金属圈不断地推拉一个小棒。这次展览在展厅的布置上十分松散；抽象表现主义的前辈们——例如杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）——共同分享一面墙的展示空间，而后绘画性抽象主义的艺术家——例如海伦·弗兰肯瑟（Helen Frankenthaler）则一起占据着另一个空间。伊娃·黑塞（Eva Hesse）的厚重、类似于肉的矩形系列作品“Aught”（1968）则将这些风格与极简抽象主义以及后极简抽象主义——例如丹尼斯·奥本海姆（Dennis Oppenheim）与罗伯特·欧文（Robert Irwin）——分离开来，成为了展览上最引人注目的作品之一。它不仅玩弄了你的认知，同时还与克里斯·邓肯的“Untitled”（2010）形成了强烈的互补。


Chris Duncan, Untitled (The Painting) (2010)

这就存在着我在一开始提出来的抱怨：为什么不将两场展览合并到一起称为“Abstract In Perpetuity”？存在如此多的联系能够将作品结合到一起，而这些联系却使得它们相互分离就好像被分割开了一样。“Abstract Now”中展出的大部分作品能够通过将它们与前辈的作品并置在一起而变得复杂起来。罗恩·纳格勒（Ron Nagle）美丽的陶瓷雕塑尽管在尺寸上较小，但将它与杰·笛福（Jay Defeo）甚至是莱因哈特（Ad Reinhardt）的作品相对比时，却能将人们的注意力吸引到实质性的地质学以及色彩之上；吉姆（Jim Drain）具有人性构造的雕塑“Scribble”（2007）在于杜尚的作品相比时也会被加上着重号。




Jay DeFeo, Origin (1956)

我在离开展览的时候想到了伊夫·克莱因（Yves Klein）。这位艺术家的作品“Le saut dans le vide”（1960）凭借其本身的独特以及反直觉的创作方式，被看作是20世纪最抽象的艺术作品之一，它为我们提供了一种观察不可避免的实质性与卓越的希望之间的关系的有力视角。在这件作品中，伊夫·克莱因抓住了他试图使自己离开地球（和重力）的情感；他的身体刚刚开始跳跃，他的眼睛朝向上方。克莱因意识到，身体本身就是一种未使用过的、体验与抽象相对的趋势的媒介。通过将作品混合到一起而不是彼此分离，Abstract Now/Then也许就能获得我所说的一种真正的、对抽象主义的“即时性”体验。