来源：日常陈述
作品就是你的“心电图”
——金锋对话王建荣
金锋：金
王建荣：王
时间：2018.4.1～4.7
金：我非常感兴趣的是，你的作品从具象转向抽象，中间好像看不出有什么过渡或迹象来。我的意思是说，你的具象总给你一种叙事的编排，环境、色调以及对人与物的处理，都给人以某种猜测。我觉得你对画面只说了半句话，而另外半句话是有意要让观者自己去续，所以画面有某种忧郁的突兀之感。而且，就用笔与技法来说，也看不出往抽象转型的可能，这中间究竟发生了什么？是否自己强行要给自己以某种了断呢？
王：具象和抽象就我个人的理解而言，深入到一点是一体的。具象和抽象，也许是人性格的两面，只是呈现予人的角度不同，别人看得突兀，在我看来正常。1990年代，中央工艺美院既有照相写实主义的路子，也有外面看到的像塔皮埃斯的抽象材料的作品，对我那段时间里的作品，也不无影响。到2000年左右，我一直在画照相写实，抽象暂时放在一边，但是写实绘画也没取得突破。而后一段时间，又迷上了影像。从此，让我打开了一扇窗，看到了别样的风景。所以我的写实绘画又由此往前走了一段。我认为影像的表现力更为直观，有直接性，同时有一种“非艺术性”，更当代，我更喜欢。如果说，我在编排、环境、色调，人和物的处理中，给人以某种猜测之感，那应该是相机替代我安排了一切。不过，作品背后是我的眼睛和思考。最近几年，我重新画起抽象，想从中寻求一点突破。我在具象和抽象之间游走，从画面来讲，并不是从具象转抽象，而是换个角度思考，追求形而上一些。
金：许多做抽象的，他们一开始也都是搞具象，之后放弃了，能看出走抽象路线是一种新的启开。你说，抽象、具象在你这里是人性的两面，都是“正常”的，那么这个人性是通过怎样的方式连接起了具象与抽象呢？这背后是观念在起作用，还就是一种人性的感悟？
王：刚入绘画门槛的时候，我特别钟情于超写实，“超写实”虽是写实，但并不是一般意义上的“油画艺术”，它的点、线、面的构成有疏离、冷漠、纤细的特点，微观上看，更接近于抽象艺术。从这样的“具象”到抽象，是我的血质和观念起了决定作用，其中有呼应并一脉相承，而在这种作画过程中，也形成了我的人性感悟，可是说是互相作用，水到渠成的。
金：从你的作品中，我读出了你内心非常纤细的一面，它敏感而易受伤害。由于精致而不易触碰，所以要藏匿与守卫，我这样的感受以及描述，不知你是否认同？能否展开来聊聊？
王：我打小画画就喜欢“扣局部”，细节表现还行，但不“大气”，就像你说的，内心纤细，有点小敏感。对于外部世界，看似大大咧咧，但内心固守自我，与外界格格不入，对于自己坚持的部分，几乎大半辈子“硬扛死守”，所以，对于自己的作品即将公开展示，也有点怯场，这等于把自己剥光了“示众”，所有的“自我”都将呈现在画面上。
金：你这次展览，是各种类型的作品都展，就像是回顾展那样，还是有选择地就突出某一个类型，比如就展抽象？关于展陈方式你是怎么想的？
王：这是我二十多年来的回顾作品展，具象和抽象作品对半。无锡美术馆是一个上下两层的展示空间，楼上展出我的具象作品，楼下则是抽象作品，基本按时间顺序展陈，突出我的绘画发展过程。
金：我在你的作品中看到了某种对秩序对控制，而且这种控制是谨小慎微的，是一层层、一遍又一遍地“讲究”出来的。这种讲究所基于的原则，是否是眼睛或者说是“看”所决定与控制的？
王：我想说，视觉上的“秩序”“谨小慎微”“讲究”只是基于我内在的一部分本能，是形而上的思考，和视觉上的偏好。画家的视觉成长，是眼睛的，更是观念的，好画家会找到自己独特的展现方式。“看”“视觉”“直觉”很重要，思考更重要。
金：你这里提到了“观念”，而且把观念与自己的独特的展现方式联系在了一起。我想了解的是，你对观念的理解，以及你的观念是怎样介入到作品之中的？
王：“观念”对于架上绘画来说，最终是通过“视觉”来展现的，视觉的“有意思”、“独特”一定是艺术家思考的结果，“观念”背后的思想是艺术家走向未来的根本。我也相信，大部分艺术家的视觉成长是观念的成长，在此过程中离不开对艺术史的解读和生活的感悟，好的艺术家能从中悟出自己的“道”，而我自己也许还在这个过程中。好在我有兴趣，有力量，可以一找再找。
金：你说“超写实”在微观层面上，更接近于抽象。那么，某种意义上，是否可以这样理解，抽象实际上是“有象可抽”，这种“象”有时倒是很具体的？比如像康德所说的：头顶上的星空和内心的道德？
王：我觉得“有象可抽”，大多数人的理解是视觉的，但作为画家，如果仅仅是“视觉”是不够的，好的抽象画家也应该是当代艺术家，他的视觉呈现也是多维度、多空间的，能深刻反映这个时代的特质。“星空”和“道德”都是思考的范围。
金：许多抽象作品在形式语言上看上去很是雷同，比如，线条的组织、色块的安排与穿插以及笔触的轻重缓急，或者综合这些抽象元素，你的作品似乎也在这样的结构框架之中，那么，你是怎样区别于这样的雷同呢？我想这也是许多人想问的问题。
王：正如你说的，我的作品也是在某种“框架”之中，确实我们应该承认视觉是会相互影响的，在同一个时代里似乎会像“传染病”一样传播，但好的艺术家在不断地“模仿”和自我“重复”过程中会“破茧”，我还在“茧”中。
金：你是怎样理解“回顾展”的？你是否对你的展览安插进了某种技术上的设置？我这样的问题，意味着我想了解，你也许不会仅仅就是做一个简单的回顾展，你在这样的展览中也许还会有其它的期待。
王：我的确没有考虑过技术上的设置，这次画展，是我对自己绘画历程的一个阶段性小结，自我梳理，回顾、思考，再出发，重新上路时，希望在“抽象”这一块能有进一步的发展。
金：“回顾展”或者“个展”，我想说的是，它是否应该有一个明确的心理指向，就是说，这个心理指向是实现或者设计在布展中的。你没有把布展、展陈的整体也当成一件作品来实施？并以此挑剔你所说的“重新上路”的企图？
王：我想这次按年份轨迹布展最能清晰体现我绘画的心理历程，而把布展、展陈当一件整体作品来实施，将是我未来要考虑的问题。
金：我想继续在作品的内部来探讨一个问题。我在你作品中看到垂直的线条，它们有的是通过流淌而形成的，这种流淌需要控制与时间的介入，也许还需要画布倾到一定的角度，我想说的是，这样的创作方式，你是有意让行为进入绘画吗？还是让别人去看出这是绘画+行为，或者你觉得各种判断都是可以的？
王：我的大部分抽象作品是通过颜色的流淌形成的，至于时间和控制并没有特别在意。我想在画面中尽力回避一些“艺术画意”的部分，对这种“淌”的随意性或工整性有种偏好，是这种特质在吸引我，由此把它看作是一种自我表达的方式。至于“行为”，我想任何一个艺术家在工作过程中，都会有意无意地产生“行为”，但好的艺术家会更多地思考，找到自己的方法。我并不在意别人是否看出绘画背后的行为，而只看重作品最终所呈现的视觉效果。
金：你说的这种吸引你的“特质”，它特殊吗？作为“流淌”，伊恩达文波特（Ian Davenport）的流淌已经很经典地摆在哪里了，你与达文波特在“特质”上的区别是什么？这有点逼问你了。
王：“流淌”确实在抽象绘画中存在，达文波特的符号更是“经典”“绝对化”，追溯历史，“流淌”在抽象绘画史中并不是独此一家，通布利就是一例，不过他的“流淌”没有那么一致，元素也更多。我的作品也在转化中，早期的语言更飘忽、更东方化，近期的如《中国红》、《黄线》慢慢摆脱了纯粹的“淌”的感觉，追求有厚度的“质感”，特别是画面的上下边缘，有种延伸感。流淌中夹杂刻意的人工化单线，再使用胶带反复“逼”出线条，使画面在整体单色中有渐次变化。
金：作为思考，你能说说作品背后的思考是如何引导你作品创作的吗？
王：艺术创作（架上绘画）的呈现无非是在可视中有具象和抽象，而抽象形式更吸引我，使我有创作冲动。它的单纯性即神秘性。我的“思考”也很单纯，是基于在“直觉”和“冲动”中慢慢展开，过程就是思考，不断重复这个行为本身就是思考，这近于“禅”。
金：反复逼出线条，这种你意向的单纯性，这是感性最终是走向理性的归宿吗？或许你试图想控制的是其它？
王：我不觉得画面最终是感性走向理性的，我只是在画面的调整过程中，到了这种呈现的结果，而在画面边缘保持一种流动和感性的状态。
金：我们其实一直在探讨一种绘画的本质，具象也好，抽象也好，我觉得你的回答始终有一层窗户纸，它没有被捅破，难道这需要“禅悟”？不能一语中的？
王：哈哈！我确实不擅于探讨绘画的本质。我觉得“那块颜色”对我有意义，对别人不一定有意义，我想画它，就画它。它在作品之前，只是一种颜色，通过绘画这个行为使它和我产生了联系，它就成为一种“意义”，所以，对架上抽象来讲，作品就是你的“心电图”，是立足于自我看这个世界产生的图像，而绘画本身就是我跟世界交流的方式。
金：好，我觉得我要问的问题就是这些，我也觉得我们的对话大致把要表达的东西轮廓性地交代出来了。你虽然不是用强烈的口吻来表达自己，但某种“禅意”的背后有着你自己的精神支撑。我非常希望我们的对话能提供给观者某种参照。但对我的意义是获得了一次走进你内心的机会，我倾听了你的内心。我能感受到你所说的：作品就是你的“心电图”。
注：对话中用图均为王建荣作品
