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Stefania Bortolami。图片：致谢Alix Smith，courtesy of Bortolami Gallery

在画廊业这个众所周知创新缓慢的行业里，Stefania Bortolami并没有停滞不前。在国际大型画廊的阴影下，这位出生在意大利的画廊主，在她在曼哈顿翠贝卡区新开设的画廊空间中，为推广新兴和职业生涯中期的艺术家开辟了一个独特的市场。

虽然Bortolami新开的800多平方米的画廊令人印象深刻，具有讽刺意味的是，真正改变了游戏规则却是她在画廊之外所做的工作。在她正在进行中的“艺术家/城市”（Artist/City）项目中，这位画廊主将当代艺术长期展览带到那些本不太可能的地方，如美国的中部腹地。其中目前一个为期一年的展览上，画廊艺术家Eric Wesley的作品摆放在圣路易斯市曾经是连锁快餐Taco Bell的空间中，另外一个项目则在纽黑文一座废弃的野兽派办公大楼里举办Tom Burr的展览。

Bortolami画廊。图片：Courtesy of Bortolami，New York

Bortolami从伦敦的Anthony d’Offay画廊和具有国际影响力的高古轩画廊学习了从业知识，融合了前者的审美严谨性和后者的市场实践性。在我们交谈的过程中，Bortolami说话清新爽朗，和她大多数同事惯用的含蓄用语大为不同。在她位于纽约翠贝卡画廊的地下仓库，我们在包装精美的艺术品包围之中，谈论了她对当代艺术的探索，为什么她乐意离开切尔西画廊区，还聊了聊中型画廊的未来是否将会在其画廊空间以外发展。

你在都灵大学学习了16世纪威尼斯艺术。你是如何从那时转变到开设一家当代艺术画廊的？

是这样的！我当时在伦敦深造，80年代末90年代初的伦敦确实是一个激动人心的年代。那里活跃着一群年轻的英国艺术家（YBA，YoungBritish Artists），充满了活力。我认识了其中一些艺术家，我爱上了当代艺术，并且意识到这就是未来。

你的艺术家Tom Burr把你描述成女版拉里·高古轩。你认为这是一个准确的类比吗？

不，一点也不是。我在做不一样的事情。他是一个阿尔法男[动物行为学中形容大男子主义]，我不是。

Tom Burr以及Andrea Zittel的作品《Concrete Realities》 （2017）现场图。图片：courtesy of Bortolami，New York

但是你在高古轩工作了七年。

我确实在那里工作了七年，而且那是很棒的经历。拉里非常注重商业上的成功。这听起来有点贬义，但是我认为他非常出色和了不起，并且感谢因为有他的存在，真的给艺术界带来了新的维度。但是我没有拉里一样的雄心。我想创造精彩的展览和文化体验，同时希望创造一点文化资本，过上富足的生活。我并不想要100英尺的游艇——话虽如此，假如有人要送给我，我也不会拒绝的。

你最近把画廊从切尔西区搬到了翠贝卡区。这是出于现实还是战略上的考虑？

我不得已从原先的空间里搬出来，后来我和一位房产中介见面，他给我推荐了一堆房产信息。我只想支付和从前差不多的房租，于是他给我展示了在切尔西、哈林以及中城的空间，但那些都不是我想要的。然后他给我看了现在这个空间的照片，照片（和现场看上去）很不一样。这个空间内部需要彻底的大翻修，当时看上去很糟糕，但是我爱上了它。

这是我们第一个去看的空间，恰巧就在翠贝卡区。并且当我考虑它的时候，觉得合情合理。这里不像下东区那样有点拥挤。翠贝卡有很多美丽的住宅和墙壁，等待着装饰。而且附近有很多新建筑。坐地铁很容易到达，无论从东边、西边、还是布鲁克林。它还有大量曾经居住在这里的艺术家的历史，并且带有一丝苏荷区的怀旧。所以说，它满足了我所有的条件。

说实话，我很高兴离开切尔西。切尔西正在朝着一个特定的方向发展，那就是奢华，就公寓和办公楼的发展而言。大型画廊正在占据越来越多的房产，像我这样规模的画廊无法在空间上与他们竞争，而且我也不想。我觉得那里不再适合我了。

“艺术家/城市”在画廊界是最有趣的新概念之一。你想通过这种倡议实现什么？目前的反响如何？

我想做的是找到一种让艺术世界放慢脚步的方法，因为一切都太快了。艺术家职业生涯起伏发展得超级快，价格上涨很快，并且有如此多的艺术博览会，博览会变得越来越短，有时只有三四天。也有很多展期超级短的展览。对艺术有一种贪食症的倾向。也可能是我开始变老了，但是我想让一切变慢。

我做的第一件事是买了一个域名，slowartmovement.com（慢艺术运动），一开始我并不知道拿它做什么。然后我开始和艺术家们聊，谈话中发现其中一件事是画廊里的展览太快了。

在纽约，一家画廊地租的成本如此之高，以至于有很多的压力要求展示时一切准备就绪，并且准备好被消费，以至于留给实验的空间越来越少。所以，我认为，如果我在全美国各地找到一些租金不贵的地方，这样的地方实际有很多，也许我可以用一年（最短租赁期）给艺术家们做一个项目。

Daniel Buren Photo-souvenir：《Daniel Buren迈阿密》， 阶段二，现场图。图片：Courtesy of the artist and Bortolami，New York

然后我们开始考虑如何选择城市，因为随机地把艺术家和城市配对似乎有点傻。第一版DanielBuren在迈阿密，更多的是一种巧合。那是在迈阿密艺术博览会期间，碰巧是他的条纹形式诞生50年。他创作的第一幅著名条纹的时间是在1965年12月，恰巧是我出生的年月。这样算来，在迈阿密艺术博览会期间，我也刚好50岁，这看起来是做这件事的合适时机。

Eric Wesley带着使用Taco Bell餐厅空间的想法找到我，事情开始无心插柳地完美结合在一起。

它发展得非常自然，我们并不是从一个商业计划或者指明它是什么的概念开始的，并且我们现在仍然还是没有。每一次都很不一样。对于艺术家Ann-Veronica Janssens我们甚至都不打算使用一个空间。她计划对废弃的建筑物进行光的介入互动。所以说每次真的很不一样。

Eric Wesley/圣路易斯, 阶段一, 2016 Bortolami, Cahokia现场图。图片：Courtesy of the artist andBortolami, New York

到目前为止，你做了多少个“艺术家/城市”项目？

两个项目（Eric Wesley 在圣路易斯和Daniel Buren在迈阿密）已经结束，第三个正在进行，Tom Burr在纽黑文。然后我们有一个从秋天开始——Ann-Veronica Janssens在巴尔的摩——然后是Jutta Koether在十二月开始。然后明年我们要做两个，Cecily Brown的在南卡罗来纳州格林维尔，和Paul Pfeiffer在亚特兰大。我们还把这个项目扩展到和我们没有业务合作的艺术家以及画廊的朋友。为什么不多些尝试呢？

至于目前进展是否顺利？是的，第一个展览，Daniel Buren在迈阿密的展览的作品我们卖给了三家博物馆和私人收藏家。不同的作品在一年中的不同阶段售出。EricWesley的整个项目即将来到纽约的红牛艺术节（Red BullArts）。我们在各处都有销售，但最主要的成功是他获得了在红牛艺术工作室的展览。同时我相信，Tom Burr也是前途无量。

我的想法是设法使这些项目没有经济负担，能够取得不错的销售，并有盈余进行新项目。

Eric Wesley / 圣路易斯，阶段一，2016 Bortolami，Cahokia现场图。图片：Courtesy of the artist andBortolami，New York

你认为在画廊外举办展览的想法会更普遍吗？你对未来画廊模式的发展有何看法？

在过去15年中出现的一个发展趋势是跨国画廊。这就是当前的模式——如果你有雄心和金钱，你将在国际上扩张。这种模式的确会吞并现有画廊的生存空间。这对小型的、非跨国的精品画廊来说都是不利的。

正如我所说，我没有在伦敦、香港、甚至我的故乡罗马开画廊的打算。我认为这种方法非常灵活。它不会把你束缚在一个地方，但你可以去任何你想去的地方。所以如果我真的想在新德里做点什么，我可以做到。目前这个项目只在美国的城市，因为这相对容易些。没有海关，运输相对便宜，我们只需要开一家有限责任公司（LLC）一年，在网上只需要5美元注册费。而在新德里就需要了解当地的法律等等。但是我渴望看到它的成长，也许有一天会把它作为画廊外独立的部分。也许甚至有一个单独的办公室和报税号码，并且以不同的方式做事。

Tom Burr/New Haven，阶段一，2017，现场图，Bortolami, NewHaven。图片：Courtesy of theartist and Bortolami，New York

你认为这样的模式会流行起来吗？其他画廊和艺术家有什么反馈？

艺术家们太爱这个方式了。无论是否与我共事的艺术家的反馈都非常棒。其他的画廊，我不知道。有些告诉我他们喜欢这个项目。你的意思是大家都会模仿我吗？

是的。

我不知道，也许吧。希望不是！这肯定是一种不需要巨额经费的扩张方式。

目前艺术博览会模式是否可持续？像你们一样的中等规模画廊，如何才能权衡参展压力和上涨的成本？

在过去的一年里，我被无数次问到同样的或是诸如此类的问题。几乎每天都有画廊关门。事实让人悲伤。

我读了一篇文章，是关于很小一部分食品公司如何控制着大部分销往世界各地的食品——正是我们谈论的10%的公司霸占着90%的市场。艺术市场正有点朝这个方向发展。有这么六七个画廊鲸吞了所有资源。如果你到威尼斯，会发现那太疯狂了——当地艺术市场一半买卖被豪瑟沃斯占有。这真让人难以置信。我很乐意提供另一个解决方案。不能只是十个跨国画廊控制一切，这是很不健康的。但事实就是这样，但仍然有留给精品的“农场直供餐桌”（farm-to-table）类型画廊的空间。

Tom Burr / New Haven，阶段一，2017现场图，Bortolami，New Haven。图片：Courtesy of the artist and Bortolami，New York

也有一种观点认为你的项目与主流和商业的艺术世界反其道而行之。“艺术家/城市”似乎提供了一个另类的选择。

商业化并没有什么不对的。我也需要出售。我们都是商业画廊。

当今画廊系统的模式——艺术品越来越多地在画廊以外销售，无论是通过网络或是艺术博览会——是如何影响艺术家的？你的艺术家表达过忧虑吗？他们是如何反应的？

如果你翻阅20世纪的艺术图录，你会看到艺术品是重要展览的一部分。例如，1965年在洛杉矶的Ferus画廊，藏品出处是很重要的，展览是很重要的。艺术品因展览而生。哪位优秀的艺术家会说：“别担心，我会为你们的艺术博览会做作品”？我不认为具有一定地位的艺术家会同意为巴塞尔艺博会专门做作品。有些艺术家可能会这么做，但是我们不可能靠他们生存。我刚才谈到了文化资本。艺术家需要机会去创造文化资本，而不仅仅是货币资本。我认为，那些致力于创造文化资本的艺术家正是那些我们将铭记的，或者说有更有可能在未来50年里被记住的。

别误会我的意思。虽然像杰夫·昆斯和达明·赫斯特这样的艺术家在今天非常热衷于创造货币资本，但他们已经创造了足够多的文化资本了，尤其是昆斯。如果你回顾他10年前的作品，会被深深吸引的。

成名挣钱是另外一回事了。我认为对一个艺术家来说，（在做过足够多创作后）可以有一段时间或阶段想去赚点钱。已经做了这么多了不起的艺术品，是时候开始卖了。如果收藏家想要20幅[理查·普林斯的]“护士画”（Nurse Paintings），艺术家就给他们画上20幅。但是当你20、30或40多岁的时候，你不能开始这样做。你必须首先创造文化资本，然后开始经营。

你认为画廊也是同样的道理吗？

可能是的！如果道理是相通的，也许我马上就该发财了。（笑）那多好！也许道理是这样的，但我不会这样去思考问题。

文：Henri Neuendorf

译：Tianlu Niu